描くことは、生きること。
色面構成によって成立している作品。
私はキャンバスにペインティングナイフで油絵の具をチューブから直接乗せて、広げて隣り合わせの色との調和や対立をもって構成していく。
何を描いているかというと、見えない精神である。精神的なものはみえないから、色で感情や考え方を表現する。
内面にある感情や考えを、その時々に表現する手段として、色についての役割がそれぞれに与えられる。
感情表現としては怒りが第一にある。
怒りというものは自分の周囲に止まらない。
社会全体に起きている情勢や事件、戦いなど。情報として自分に伝わってくる全般的なものの中で、最も比重の大きなものは怒り。
怒りは 気持ちが良くないので、赤で表現されて、赤が画面の中で多くの比重を占めていると見ていて落ち着かない。
怒りの赤は作品の かき始めの段階に多用する。
半分位赤を塗り、隣に 深いブルーグリーンがある状態は長い間続けない。
対比がきついと、冷静なブルーはもう少し優しくしてくれないか？と製作者に語るのである。
ブルーは気持ちを落ち着かせる。グリーンと共に冷静な頭脳を象徴する。
ブルーとグリーンが深すぎても、観ていて心が沈んでしまう。
ある程度軽快さは必要であり、人生は楽しいこともないとやっていられないものだ。
軽快さは黄色の軽薄さと 紙一重で、黄色のトーンには 注意を要する。
玉子みたいな軽さでは人生の苦しみは表現出来ない。
日射しの暖かさや神から差しのべられた光は黄色ではもの足りなく、白を沢山加える必要がある。
白を一言でいうと便利な優しさを司る助っ人。
白があることで対立を協調へと導かれる。
白の調子は黒との組み合わせかたも、モノトーンの作品の場合は大切になるが、私はあまり黒と白の作品は作っていない。
もっと たくさんの色がでているのだから。
黒はよほどのことがない限り出番はなく、むしろ深い茶色のほうが軟らかで優しい。
茶色は合わない色はないほどに使い易い、けれど２１世紀に 敢えて多用しないようにしている。
作品の雰囲気は、色の組み合わせかたが決める。
ハッキリしたメリハリの効いた色あいは、現代的に思えるが、実はもとがあって、古美術品に決まりごととして残された色調だ。
青手古九谷焼は、ハッキリした緑と青と黄色と赤 茶色を使う。
日本文化を受け継いだ私の作品は、現代に蘇った古九谷焼の世界でもある。
そうした昔ながらの色調を意識的に使いつつ、それらの基本に優しく、白を混ぜたグレー等が調和して古美術から現代アートにと変身をとげている。
心の平安。気分が良くて、満たされる。
世界中の人に 愛と平和が訪れることを制作することで私が役にたてるとしたら、人生を賭けて制作に費やす自分の仕事は 無駄ではないと嬉しく思います。
沢山画面に塗られた裏で支えている絵の具たちは表面に出ては来ないけれど、長い制作年を経て、完成した時の重量の貫禄とその存在感に役にたっているのです。
効率優先の現代にあって、一枚の作品にこれだけ大量の絵の具を使う人は他には見当たらないのではないでしょうか？
この Ｐ８は、色の組み合わせが 白を混ぜてあるので、沈静化させる作用があり、古美術では高麗青磁やその後の白磁が持つ高貴な印象があります。
朝鮮の焼き物はどれも気高く、王朝に献上されたり神事に欠かすことの出来ない焼き物でした。
青磁にも、白磁にも、心を豊かにしてくれるものがあり、こうした焼き物から受けたスピリットを作品に入れて描いています。
作品のグリーンよりも 焼き物の緑や赤は 遥かに深く貫禄があるのが、重ねて写真を撮ると明確にわかります。
こうした古美術品は長く愛され、今私が所蔵していますが こうした美を受け継いで、私の描く世界を広く知らせたいと思います。
これは色面構成で成り立つ瀬下ゆり子の絵画の世界に付けられる主義である。絵には、色と形があって、ほとんどは形を見て 何を描いているかを分かる。
しかし瀬下作品は、形を重要視してはいないから、色調を観て欲しい。絵の具を塗り、削りの ナイフで混色された絵の具はキャンバスに乗って、高さを作り、色の塊として存在する。 平面とはもはや言えなくなり、レリーフに近い画面を構築するのだ。
The Artwork Concept by Yuriko Sejimo
To draw is to live.
I create my artwork by color composition.
I put the oil paints on the canvas directly from the tube with a painting knife, then spread it up and with harmony and conflict I compose it with other colors.
What I draw depends on my invisible spirit. Since I can not see spiritual things, I express my feelings and thoughts with colors.
I think of a role for each color as a way to represent my inner feelings and thoughts.
Anger is the most popular emotional expression.
Anger is something you can not embrace and keep inside yourself.
There are a lot of accidents and situations happening in the society, even wars. Among all the received information and transmitted feelings, anger is the most heavy.
Since anger is not a pleasant feeling, it is expressed in red color, and if there is a lot of red on a canvas, it looks heavy and makes you feel uneasy.
Red for anger is widely used in the beginning of art working.
If you put half of red and then deep blue green right next to it, it will not work out well. The contrast here is too strong, why wouldn't you use quiet blue to soothe it a little? An artist will tell you.
Blue is a mentally calming color. Together with green it has a soothing impact on our mood. Even if blue and green are too deep, you will still feel relieved and calm.
It is essential to some extent to have fun in our life.
One shade of yellow can bring lightness while another brings frivolity, so be careful when you choose a tone for yellow.
The sufferings of life can not be expressed with a lightness of an egg yellow.
Just yellow is not enough to express the warmth of sunlight or the light given by God, there is a lot of white needed too.
White is a great helper when there is a need color softness control.
With white we can ease the contrast of colors.
A combination of black and white is very important for a monotone artwork too, but I do not work with just black and white.
I prefer to use more colors.
I do not use black unless there are extreme circumstances, I would rather choose deep brown, which is softer.
There are almost no colors that do not go well with brown, but I try not to use it that much in the 21st century.
The atmosphere of an artwork forms by the combination of colors.
The atmosphere of an artwork forms by the combination of colors.
Clear and sharp contrast of colors speaks for the contemporary art, but it is also a fact that such shades could be used for the antique art too.
In Ao de Kutaniyaki arts they use clear green, blue, yellow and brown.
Inherited from Japanese culture, my artwork today gives a rebirth to Kutaniyaki arts world.
While consciously using such color tones from the old times, I take a touch of their basic softness, mix white and grey, and from it's harmony I transform the antique art into the contemporary art.
It brings me peace of mind. It gives me satisfaction and good mood.
If I could bring love and peace to all the people in the world with my artwork, I would be the happiest since I put all my life in my job and hope I am not doing it in vain.
There is a lot of paint left on the first layers and it would never come out on the surface, but after a long production year, when it is completed, you see how useful it is for the artwork's dignity and that it exists there on purpose.
In a world where efficiency is a priority, there are not a lot of artists who would use so much paint in one work, right?
This P8 work, for example, has the effect of calming due to a combination of colors mixed with white, and white porcelain from the old times of an antique art Goryeo ware gives an impression of a noble origin.
It was the Korean pottery that used to be given as a noble offer to the dynasty, while in shrines it was an art that could not be missed.
Both celadon and white porcelain have something that enriches our soul, that is why I use a spirit from this art in my works.
It is clear that blue and red pottery looks much more impressive than green, you may see it in the pictures.
I have been into the antique arts for a very long time, and now that I am holding such a beauty, I want to expand my drawing horizons.
This is the concept used in the world of Yuriko Sejimo’s paintings, which are made by color composition. There a lot of different colors and shapes used, but mostly you may understand what is painted by just looking at it.
However, the shape is not the most important part of Sejimo’s artwork, please pay attention to the colors.
Paints that are mixed by a sharp knife on a canvas create a sense of volume and look as a mass of color.
It can not be called flat, it looks closer to the relief. |
